Albert Ayler. Live In Greenwich Village: The Complete Impulse Recordings

El concierto en Greenwich Village realizado por Albert Ayler y grabado para el sello Impulse! se considera el mejor de la carrera del saxofonista. Se trata una serie de melodías inspiradas en el folclor sueco. Muchas de ellas tienen un sello religioso y fúnebre, como si se tratara de canciones para 'marching bands'. Hacia el final de su vida, el músico fue objeto de muchas críticas de parte de los expertos, aparantemente por haber evolucionado de un estilo jazzístico propiamente dicho a retomar facetas del más crudo 'blues' con ritmo, tal y como lo demuestra en 'The New Grass And Music Is The Healing Force Of The Universe'. Es cierto que esta música tiene en su superficie una textura que es muy diferente de su ya conocida 'Spiritual Unity' o 'Bells', sin embargo, se trata del mismo músico involucrado y no existen inconsistencias tampoco en esa música. A partir de 1965, Ayler comenzó a grabar con musicos de cuerdas, empleando a Michel Sampson en el violín y a Joel Freedman en el chelo. También habría de aprovechar otros sonidos como el del clavicordio. Los instrumentos de cuerda ya habían sido utilizados en los ensambles originarios del jazz en los primero días y no había nada inusual o extraño acerca de esta práctica y el trémolo distintivo del violín o del chelo llegaron a ser un elemento importante en los trabajos de Ayler.

 

El material en vivo grabado por este nuevo grupo de Ayler en Lörrach y París se encuentra disponible como un fino producto del sello hatOLOGY. A pesar de las deficiencias estéticas o técnicas que la grabación pudo haber tenido (hay una cualidad nihilista y fragmentaria en este último), las sesiones del Village en el Theater y el Village Vanguard son ampliamente afirmativas y satisfactorias, y no pierden nada del temperamento y furia de Ayler o su poder premonitorio.

Live In Greenwich Village: The Complete Impulse Recordings
Impulse! IMP 12732 2 CD
Albert Ayler (sax tenor, alto y soprano); Donald Ayler (trompeta); George Steele (trombón); Michel Sampson (violín); Joel Freedman (chelo); William Folwell, Henry Grimes, Alan Silva (contrabajo); Beaver Harris, Sunny Murray (batería).
Marzo de 1965 a febrero de 1967.

Fuente: The Penguin Jazz Guide.

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Miles Davis. The Complete Live At The Plugged Nickel, 1965

Nos dice la Penguin Jazz Guide sobre estas grabaciones:

El biografo de Miles, Ian Carr dijo en 1990: 'Miles había estado en el hospital a finales de la temporada primavera-verano ya que se le había hecho un reemplazo de articulación de cadera. Había rumores de otros problemas incluso más serios. Él todavía se encontraba frágil, pero también conservaba una indomable calidad en su interpretación'.

La Piedra Roseta del jazz moderno: un documento monumental escrito en cinco sutiles y algunas veces crudos dialectos pero dentro del mismo existe la mayoría de la música del período post-bob que ha sido definida y demarcada.

 

En el futuro, cuando sea escrita la historia de esta música —y tal vez sería posible escribir una versión convincente que abarque del 1945 a 1990 solo como una referencia a la parte en la cual Miles contribuyó— estas sesiones serán consideradas como un punto de inflexión. Probablemente este fue el mejor grupo de Miles que jamás existió —que después sería responsable de las grabaciones con E. S. P. en enero d dee 1965: 'Miles Smiles', 'Sorcerer', 'Nefertiti'— trabajando en sus resultados de una fase a otra en las cuales el 'tempo' y la armonía, la melodía y las dinámicas fueron configuradas de forma radical. Las improvisaciones en este disco hubieran sido inconcebibles apenas un par de años atrás. El grupo se basaba mucho en los acordes como una reacción hacia ellos. Tres años más tarde, esta agrupación contribuyó de manera directa a la revolución electrónica de Miles.

Para ponernos en contexto de tiempo y lugar, estas sesiones fueron grabadas (oficialmente por ingenieros de la Columbia) en el club Plugged Nickel en la ciudad de Chicago. Aunque las sesiones Blackhawk son mejores en muchos aspectos, el registro aquí fue inmejorable, no muy distinto del que uno esperaría para una grabación de estudio. En primer vistazo, uno podría preguntarse si esta documentación recursiva valdría la pena en inversión de dinero y paciencia, particularmente cuando no existe material nuevo en la presentación. La respuesta corta es un sí categórico y sin ambigüedades porque aquí es posible observar de forma más cercana a Miles y sus músicos a través de sus ideas trabajando en conjunto en formas en las que los materiales nombrados serían más o menos irrelevantes.

Paradójicamente, el hecho de que estos sean en su mayoría estándares y piezas de repertorio resalta la originalidad de sus planteamientos.

 

Incluso cuando está claro que Miles está trabajando a partir de estándares como 'Stella By Starlight' o 'My Funny Valentine', él se desplaza al interior de zonas de invención armónico-melódicas y de respuestas dinámicas las cuales no tienen un precedente en la música y haciendo todo esto dentro de una duración muy limitada de dos noches en un club.

El sitio All About Jazz hace una reseña de estos dos conciertos de dos noches en aquel club en 1965 y menciona que el quinteto de Miles está haciendo una transición del 'status quo' del jazz hacia la forma en la que Miles concebía al jazz en ese momento: los tiempos eran más rápidos, cada pieza tenía una firma distinta en cuanto a tiempos. Se dice que es una mirada a lo antiguo a través de gafas radicalmente diferentes. Este documento sonoro nos señala un momento de disrupción que indica la dirección hacia la cual se estaba dirigiendo Miles.

The Complete Live At The Plugged Nickel
Columbia CXK 66955 7CD
Miles Davis (trompeta); Wayne Shorter (sax tenor); Herbie Hancock (piano); Ron Carter (contrabajo); Tony Williams (batería).
Diciembre de 1965.

Fuentes:
The Penguin Jazz Guide
allaboutjazz.com

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Paul Bley. Closer

Paul Bley dijo en 1980: 'Conformar una sello discográfico creativo en la década de los sesenta era como nadar contra la corriente y con una roca atada a tus pies, pero, ¿lo puedes creer? Incluso había gente pirateando discos de ESP. Admiraba lo que Bernard Stollman estaba haciendo, pero yo creo que le faltaba una filosofía y eso habría de anular cualquier cosa en la que él se interesara'.

No existe ningún otro pianista actualmente activo con ese sello distintivo tan personal como el que tiene Paul Bley, lo cual es irónico, ya que es él es un experimentador incansable con una resistencia intrínseca a detenerse en un solo lugar. Curiosamente, él favorece los efectos ambiguos en el diminuendo, los acordes estrechos en el pedal y las escasas figuras con la mano derecha, incluso retando la métrica de manera distinta; trabajando en solitario, Bley ha creado zonas de interés variadas y dramáticas pero gradualmente cambiando la longitud de las notas dentro de un pulso firme que genera una considerable tensión dramática mediante un inesperado incremento en los acordes, desplazando constantemente el centro armónico.

 

Bley fue uno de los primeros pianistas de cualquier estatura que experimentó con sintetizadores electrónicos. También fundó el sello experimental Improvising Artists.

 

Bley tocó 'hard bop' en Nuevo York (en donde se casó con Carla Borg, que se convertiría en Carla Bley) y comenzó a grabar en 1953 para el sello de Charles Mingus, Debut. Cinco años después ayudó a popularizar la música de Ornette Coleman cuando el saxofonista trabajó con él en Hillcrest Club de Los Angeles. El origen canadiense de Bley —una mezcla de estoicismo inglés combinado con cierta cortesía francesa— le otorgó un carácter reservado. En vez de dirigir el cargo en términos de innovación estilística, él prefería realizar una labor distante con sus propias ideas, lo cual con frecuencia ha sido ignorado. Él también difería con los demás acerca de quiénes eran los mejores compositores: Coleman, Carla Bley, Annette Peacock e incluso en el caso de estas dos últimas, al menos interpretó su música. Canciones como 'Blood' de Peacock e 'Ida Lupino' de Carla llegaron a ser temas distintivos en su repertorio.

La breve asociación con Bley con el visionario ESP dio como resultado un trío clásico y un quinteto hoy en gran parte olvidado. Otras épocas vieron a Bley reclutando dos trompetistas de la Arkestra de Sun Ra y mucho del interés hacia el álbum —el cual, como su sucesor consiste en su totalidad en temas de Carla Bley—, deriva de escuchar a Johnson y a Allen en el contexto de una pequeña agrupación.

La música tiene una consistencia robusta y la presencia de dos ejecutantes tan antagónicos —el trompetista Dewey Johnson estuvo en 'Ascension' de Coltrane— le da al ensamble una tesitura exaltada que tiende a remarcar sus momentos más sutiles.

'Closer' es una delicia a más de 50 años de su lanzamiento. La pieza clave del disco es 'Ida Lupino', la cual el ex esposo de Carla Bley convirtió en una narrativa fílmica itinerante con capas de detalles a partir de materiales simples. Algunos han notado en el disco una fertilización cruzada con las ideas de Ornette Coleman en esos 'tracks'; su 'Crossroads' fue en un principio dos temas, el otro sería 'Cartoon' de Annette Peacock, que va a continuación. Eso es difícil de distinguir si no estás enterado de la asociación entre ambos, pero los ritmos en 'staccato' y las ideas melódicas en pequeños cortes apuntan en esa dirección. De acuerdo con estandares recientes es un disco curioso, con solo dos o tres 'tracks' que exceden los tres minutos de duración y con ninguno de cuatro, pero que contiene en él, de forma literal, el lenguaje musical de Bley que habría de revelarse en las siguientes cuatro décadas.

Closer
ESP/Calibre 1021
Bley (piano); Steve Swallow (contrabajo); Barry Altschul (batería).
Diciembre de 1965.
Tomado de The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.
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Michael Garrick. October Woman

Nos dice Michael Garrick: 'Escribí 'October Woman' para Shake y 'Little Girl' para Joe. Y pensaba que la combinación de sus sonidos podría tener la magia y la autoridad que fuera única y profundamente conmovedora --y sostengo la opinión con más fuera incluso ahora--. Estos temas necesitaban una notación mínima; actualmente los jazzistas muy versados y entrenados incluyen un máximo de detalles: la amplitud exacta de la nota, el dinamismo, etc. Fue una inesperada bendición haberlas escrito en su momento'.

Garrick es uno de esos compositores de cierta edad cuyos trabajos iniciales son admirados de forma extravagante cada que son relanzados, con frecuencia con no más que un reconocimiento simbólico de que él todavía sigue escribiendo y haciendo presentaciones. Podemos sentirnos culpables de la misma miopía al seleccionar sus grabaciones iniciales, pero también, reconociendo que estas grabaciones, de una manera discreta, sentaron las bases de todo un estilo de composición en Gran Bretaña. Probablemente Garrick sea más reconocido por su 'Jazz Praises', el cual tomó de la música sacra de Duke Ellington, usando el jazz como la base para el cuerpo de una música espiritual y litúrgica la cual parece tener el don de un lenguaje universal. 

Garrick es un tesoro nacional, pero es lamentable que uno de los lanzamientos más emocionantes de los últimos años sean reediciones de discos grabados hace más de cuarenta años. 'October Woman' reaparece con un 'extended play' adicional de 'Anthem' y 'Wedding Hymn'. El proyecto fue resultado de un evento llamado 'Poesía y Jazz en Concierto', el cual se encuentra disponible en la disquera Vocalion. El sello Argo necesitaba algo más de música, pero sin tanto verso. Garrick ha reconocido su falta de experiencia en grabaciones y la disquera no estaba lo suficientemente experimentada con el sonido del jazz, así que, como Garrick menciona: 'Las influencias de Art Blakey que tenía Colin Barnes fueron relegadas a segundo plano', el piano tampoco está a la altura de la tarea, pero la sesión en su conjunto tiene una presencia maravillosa que no ha hecho más que crecer con los años. Podría ser técnicament poco sofisticada para los estándares modernos pero es un disco intensamente bello. 

October Woman. 

Vocalion CDSML 8420.

Michael Garrick, piano; Shake Keane, trompeta; Joe Harriott, sax alto; Coleridge Goode, contrabajo; Colin Barnes, batería; Elizabethan Singers. 

Año 1965.

Sun Ra. The Magic City

El novelista Ralph Ellison dijo en 1983: 'No es una metáfora: para Sun Ra, ser un afroamericano en el Sur de Estados Unidos significaba que también podrías haber estado en Alfa Centauri, deja tú Saturno. Esa música, y el disco 'The Magic City' en particular, es acerca de una muy específica y real alienación, y no hablamos de ciencia ficción'.

Sun Ra fue una figura destacada en el ámbito del jazz de vanguardia, en sus vertientes abstractas, experimentales y de fusión. Fue un adelantado a su época al incorporar instrumentos eléctrónicos a partir de 1956. Sun Ra tocaba el órgano, el piano y el teclado, además de liderar su banda, la Sun Ra Arkestra.

The Magic City
Evidence ECD 22069
Sun Ra (teclados —claviolina—, celesta electrónica, piano, marimba, harpa, percusiones —tambor Dragón—, tímpano); Walter Miller (trumpeta); Chris Capers (trompeta, percusiones); Ali Hassan, Teddy Nance (trombones); Bernard Pettaway (trombón bajo); Danny Davis (sax alto, flauta, percusiones); Harry Spencer (sax alto); Marshall Allen (sax alto, flauta, piccolo); John Gilmore (sax tenor, percusiones); Pat Patrick (sax barítono, flauta, tímpano); Robert Cummings (clarinete bajo, percusiones); Ronnie Boykins (contrabajo); Roger Blank, Jimmy Johnson Jr (batería); James Jackson (percusiones).
1965.

Tomado de The Penguin Jazz Guide.

 
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Grachan Moncur III. Evolution

El trombonista Grachan Moncur III se sitúa entre lo 'avant garde', el free jazz, el 'hard bop'. Las interpretaciones de este ensamble pueden ser atmosféricas, hipnóticas, evocadoras. Se dice que 'Evolution' es un disco de contrastes, se debate entre lo 'libre' y lo estructurado. Se destaca la trompeta de Lee Morgan y el vibrafono Bobby Hutcherson. Muchos años después de su lanzamiento en 1963, esta grabación sigue sonando novedosa y fresca.

Evolution
Blue Note 784153
Moncur; Lee Morgan (trompeta); Jackie McLean (sax alto); Bobby Hutcherson (vibráfono); Bob Cranshaw (bajo); Tony Williams (percusiones).
Noviembre, 1963.
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Hugh Masekela. The Lasting Impressions Of Ooga Booga

Hugh Masekela dijo en 1990: «Para mí, Estados Unidos era Louis Armstrong, y Louis Armstrong cambió el mundo. Vine al país en 1960, fue un periodo emocionante. Se hablaba de cambios y de los derechos civiles, podías caminar por una acera en la calle y ver a John Coltrane y en la otra, a Max Roach o Abbey Lincoln, o Ella Fitzgerald. Ellos todavía en lo que eres o tienes. Esa parte ha cambiado, Sudáfrica va a cambiar pero la música nunca cambia».

Masekela es una de las figuras claves de la música sudafricana, una voz apasionada cuyo sonido tiene la urgencia gutural de un predicador en la esquina de la calle y una delicadeza emotiva asociada con Miles Davis y Chet Baker. A sus veinte años, Masekela fue uno de los miembros fundadores, junto con Dollar Brand y Kippie Moeketsi, de los Jazz Epistles, la primera agrupación jazzística importante en Sudáfrica.

Por aquel entonces, Masekela se casó con la cantante Miriam Makeba y dejó Sudáfrica para ir a Estados Unidos, grabar el tema clásico ''Grazin' In The Grass'' (el cual vendió cuatro millones de copias) y convertirse en portavoz e ícono del movimiento en contra del apartheid. También atravesó por momentos de autoindulgencia lo cual admitió de manera franca en alguna entrevista y en su autobiografía, la cual nombró basándose en su más grande éxito. Algunos creen que sus adicciones han perjudicado su arte pero Masekela tiene instinto de supervivencia y la suficiente brillantez como músico para sobrellevar los problemas incluso en las circunstancias más desalentadoras.

'The Lasting Impressions Of Ooga Booga' es una compilación de dos discos grabados en vivo en el Village Gate. El elepé original, 'The Americanization Of Ooga Booga' no tuvo en su origen una continuación (que en mucho se debió a la falta de confianza de la compañía en el proyecto) y fue solamente a raíz del la mezcla 'mbaqanga' de Masekela que él mismo llamó 'township bob' que los restantes temas fueron incluidos en ' The Lasting Impression Of Hugh Masekela'.

The Lasting Impressions Of Ooga Booga
Verve 531630
Masekela (voz, fliscorno, trompeta); Larry Willis (piano); Harold Dotson (bajo); Henry Jenkins (batería).
1965.
Tomado de The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.
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Lowell Davidson. Lowell Davidson Trío

El guitarrista de Boston Joe Morris menciona: «Lowell fue un músico singular y mucho más de lo que sugiere un solo disco grabado con la disquera ESP. Constantemente estaba expandiendo sus alcances. Su trio de música de piano se desarrolló tanto hasta convertirse en algo más sutil, mostrando dinamismo y representación sonora. En la década de los ochenta cuando trabajé con Lowell, él tocaba la batería y un bajo acústico de aluminio. La música que tocábamos podría ser descrita como una temprana improvisación acústico-espectral».

El padre de Davidson fue un teólogo. Él mismo estudió bioquímica en Harvard pero se mudó a Nueva York en donde tocó con Ornette Coleman y de manera breve como baterista en el New York Art Quartet. Su ya obscura carrera fue afectada cuando un accidente de laboratorio comprometió su salud. Murió de tuberculosis a la edad de 49 años.

Davidson es una de esas figuras misteriosas del jazz quien siempre aparece en la mira de ser redescubierta. Nada dificulta más su rehabilitación que la falta de grabaciones adecuadas.

Su único lanzamiento como grabación de estudio —realizado con ESP y aparentemente sin una audición previa— es un desastre a nivel técnico, un balanceado de mala calidad y casi sin la presencia del bajo. La música es fascinante, muy distinta de todo aquello que se presume como la escuela dominante de Cecil Taylor.

Uno podría decir que Mal Waldron está muy cerca a nivel total en sonido y espíritu. Davidson influye en pequeños sectores de ese sonido, moviéndolos alrededor de su teclado hasta que conforma edificios sonoros de complejidad sorprendente.

Lowell Davidson Trio

ESP 1012

Davidson (piano); Gary Peacock (bajo); Milford Graves (batería).

1965.




Tomado de The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.




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Krzysztof Komeda. Astigmatic

'Astigmatic' de Krzysztof Komeda es uno de los mejores discos de jazz polaco de la década de los sesenta. Tomasz Stańko nos refiere una anécdota de la grabación de este disco: «Era mi primera producción a nivel profesional, un año antes había sido reclutado por el ensamble de Komeda. Una alineación portentosa, y yo solo tenía 21 años. Nunca olvidaré la noche en el National Philarmonic Hall en Varsovia. Uno incluso podía sentir la atmósfera del concierto para esa noche pero Komeda, con la espalda ligeramente encorvada, ya nos estaba embarcando en su música y de una forma solo conocida por él mismo nos estaba introduciendo en su planeta de sonidos. Esa era la forma como creó el tipo de sensibilidad que habría de sostener para ese evento. Una sola noche. La colosal 'Svantetic', recién estrenada para ese concierto nocturno, 'Astigmatic' y el futuro trancazo mundial de 'Kattorn', el cual se sigue tocando hasta la fecha».

Astigmatic
Harkit HKRCD 8158
Komeda (piano); Tomasz Stańko (trompeta); Zbigniew Namysłowski (sax alto); Günter Lenz (bajo); Rune Carlsson (batería).
Diciembre de 1965.
Fuente:
The Penguin Jazz Guide.
en.wikipedia.org
amazon.org
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Pete La Roca. Basra

Pete La Roca empezó a tocar la batería en bandas latinas, de ahí adquirió el sobrenombre de La Roca. En 1957 hizo su debut con Sonny Rollins y después participó con John Coltrane, Jack MacLean, Joe Henderson, Freddie Hubbard y Charles Lloyd. En 1968 dejó el mundo de la música para dedicarse a estudiar derecho y ejercer la carrera de abogado. Sin duda, una personalidad singular y polifacética. Alguien como Keith Jarrett dijo en 1990: 'Pete La Roca. Nunca lograrías por nada del mundo que diera una nota falsa. Tenía un sentido del manejo de los tiempos único, muy alerta y de gran fluidez. Tú sabrías que él era el baterista con solo escuchar los primeros compases'. Los coleccionistas de material de Blue Note siempre lo evocan como un timbalista en bandas latinas desde hace más de 50 años aunque él prefería que lo llamaran Pete Sims. Se le recuerda como un experimentando percusionista de 'hard bob' que destacó en la década de los cincuenta en la banda de Sonny Rollins e hizo un par de elepés por su cuenta. El campeón sin corona de muchos temas de 'hard bob'. Sims estuvo con Coltrane justo al comienzo de su cuarteto y estableció los compases para la banda de Elvin Jones. Su primer trabajo como líder se presenta solo con un disco. 'Basra' tiene aires afrocaribeños y latinos, logro distinguir ingredientes orientales. Muchos de sus temas son muy evocadores. 'Basra' fue grabado en 1965 por Blue Note, la mayoría de los temas son composiciones de La Roca y otros lo son de Ernesto Lecuona y de Steve Swallow. Participan Joe Henderson en el sax tenor, Steven Kuhn en el piano y Steven Swallow en el bajo. La grabación tiene muchas influencias en el 'free jazz' y el 'hard bob'. Todo el 'personnel' se destaca y tiene aportaciones magníficas. Pete La Roca regresó al ambiente del jazz en 1979 y después grabó su último disco en 1997: 'Swingtime'. Murió en 2012 a los 74 años.

Basra
Blue Note 875259
La Roca; Joe Henderson (sax tenor); Steve Kuhn (piano); Steve Swallow (bajo).
Mayo de 1965.
Fuente: The Penguin Jazz Guide; es.wikipedia.org; jazzmusica.hypotheses.org; genius.com; youtube.com; elpais.com.
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Woody Hermann. Woody's Winners

Woody Herman dijo en 1977: 'No me gusta el término 'sobreviviente', incluso cuando lo dicen en el buen sentido. Me remite a la idea de alguien aferrándose a un naufragio. Yo creo que todavía estamos a todo vapor y aún haciendo un buen trabajo. Es lo mejor que uno puedo esperar para seguir dentro del negocio'. Incluso con el rock y el pop firmemente asentados, Herman pudo resolver el problema de la longevidad artística. Simplemente siguió hacia adelante, evolucionando en su sonido pero apegándose tanto como pudo atreverse a todo aquello en lo que él destacaba y a lo que la base de sus fans esperaban de él. 'Woody Winner's' es uno de los disco de Big Band más grandes de todos los tiempos y todavía suena fantástico. Para contribuir a nuestro entusiasmo, ninguno de los contemporáneos de Herman fue convocado para el equipo que tenemos aquí. Grabado en vivo en la Basin Street West de San Francisco, la banda transita a través de temas como '23 Red', un tema consagrado de Sal Nistico: 'Northwest Passage', la serena 'Poor Butterfly y la demolición climática de Horace Silver en 'Opus De Funk'. Este ha sido comparado con 'Jazz Hoot', un set de vinilos configurados con tomas alternativas tanto de 'Woody Winner's' como el de 'Live East And West'. Puede parecer desconcertante que esta música solo está disponible a través del trabajo de pequeños sellos que han obtenido la licencia de su propietario que es Columbia, sin embargo, todavía siguen ahí.

Algunas reseñas, como la de Scott Yanow de AllMusic le dan una calificación de 7 sobre 10 y afirma que es el 'disco definitivo' de la Swinging Herd de la década de los 60. Destaca los solistas y el repertorio, y lo recomienda para todo coleccionista de jazz.

Un usuario de Discogs le da una calificación de 4 sobre 5 y afirma que es 'uno de los mejores discos en vivo que hizo Woody Herman en su vida'.

La página oficial de Dusko Goykovich, uno de los trompetistas que toca en el disco, lo incluye entre sus grabaciones más destacadas y lo describe como una muestra del 'Swinging Herd' de Woody Herman.

Woody Herman proviene de la época de oro del Swing y de las Big Bands, pero en este disco incorpora la influencia del bebop y del blues. Por ejemplo, '23 Red' es Big Band pero también es bebop, mientras que 'Greasy Sack Blues' es un blues con solos de clarinete, piano y trompeta. El disco tambien tiene arreglos clásicos de Swing como 'Northwest Passage' y 'Poor Butterfly'.

Woody’s Winners / Jazz HootCollectables 6678Gerald Lamy, Dusko Goykovich, Bobby Shew,Don Rader, Bill Chase (trompetas);Henry Southall, Frank Tesinky, Don Doane (trombones);Woody Herman (clarinete, sax soprano y sax alto);Gary Klein, Sal Nistico, Andy McGhee (sax tenor);Tom Anastas (sax barítono);Nat Pierce (piano);Tony Leonardi (bajo);Ronnie Zito (batería).

Fuentes:

The Penguin Jazz Guide.

es.wikipedia.org

discogs.com

ecured.cu

jazzmessengers.com

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Ornette Coleman. At The Golden Circle, Stockholm. Volumes 1 & 2

Ornette Coleman dijo en 1983: 'No creo que exista una diferencia entre una idea y una emoción. La música es lenguaje construido con notas y claves; el lenguaje escrito está hecho de letras que representan símbolos de sonidos, y cambian entre ellos de la misma manera en que lo hacen las letras y las notas. Todo esto tiene un profundo efecto en nosostros como seres humanos, es por ello que en realidad no estoy tocando, estoy sanando a través del medio del lenguaje que es la única cosa, aparte del sexo, que nos mantiene unidos a todos'.

 

El enfoque de Blue Note hacia el movimiento modernista fue incómodamente marginal: una simple lanzamiento de Coltrane, una breve escaramuza de la salvajes atonalidades de Cecil Taylor, una grabación de Eric Dolphy, un trabajo tímidamente manejado por Andrew Hill y Bobby Hutcherson, y un compromiso sostenido pacientemente con Ornette Coleman. Estas sesiones suecas capturan este trío en su mejor nivel: con texturas densas, de oscuras y feroces tonalidades. Mucho de esto fue construido a partir de la falta de dependencia de Ornette hacia el piano, pero es obvio que de esas sesiones Izenzon complementa esas funciones.

El líder podría no inclinarse por los acordes y las progresiones e incluso podría 'escuchar' la secuencia armónica de forma diferente, en línea con su insistencia con la nota Do podría estar en términos funcionales con su Do, pero, tal como Dewey Redman dijo después, necesitaba un ancla.

'At The Golden Circle Stockholm' fue grabado en dos volúmenes entre el 3 y el 4 de diciembre de 1965 en el club de jazz Gyllene Cirkeln en Estocolmo. Tuvo una buena recepción de la crítica.

 
At The Golden Circle, Stockholm: Volumes 1 & 2
Blue Note 35518 / 35519
Coleman (sax alto); David Izenzon (bajo); Charles Moffett (batería).
Diciembre de 1965.
Fuentes:
The Penguin Jazz Guide
en.wikipedia.org
bluenote.com
youtube.com
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Larry Young. Unity

'Unity' es una combinación de elementos del hard bop con jazz modal y refleja el 'esprit du temps', los nuevos planteamientos a la fecha. Estamos hablando de 1966 y los los instrumentos empiezan a cambiar. Poco a poco se integra en órgano Hammond en las grabaciones. Tiempo después se incluirían guitarras eléctricas y sintetizadores dando lugar al jazz fusión o al jazz-rock. 'Unity' de Larry Young está conformado por elementos tradicionales y de experimentación que lo colocan en la vanguardia. Para Tony Williams, Larry Young practicamente reinventó el órgano. Según él, el instrumento era completamente distinto cuando lo tocaba, y era algo que parecía no haberse escuchando antes. Larry se enfocaba en su propia interpretación de una manera enteramente libre. De acuerdo con la Penguin Jazz Guide, Larry Young fue el primer intreprete de Hammond en el jazz que se sacudió de la persuasiva influencia de Jimmy Smiths e inició la asimilación de los planeamientos armónicos de John Coltrane que sostenían una disputa entre las fronteras del jazz y el naciente rock. Larry conseguiría un estatus de leyenda con bandas como Tony Williams's Lifetime y Love Cry Want, y con la obra maestra electrónica de Miles Davis: 'Bitches Brew'. Otra de sus colaboraciones fue con John McLaughlin en 'Devotion' en donde logra expresar un enfoque salvaje y de expresionisto abstracto creando una serie de ondeantes capas de sonido. Es una lástima que mucho de lo que sobrevive de su trabajo fuera de estos grupos sea una reminiscencia del ensamble organo/guitarra/batería que él estaba dejando atrás en la década de los sesenta.

El avance en 'Unity' resultó dramático. 'Unity' es una pieza de jazz moderno que se desenvuelve entre la ferocidad interpretativa de la batería de Elvin Jones y el sustentable trabajo de Joe Henderson en el sax tenor.

Unity
Blue Note 56416-2
Young; Woody Shaw (trompeta); Joe Henderson (sax tenor); Elvin Jones (batería).
Noviembre de 1965.
Fuente: The Penguin Jazz Guide.
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