viernes, 28 de julio de 2023

Roland Kirk. The Inflate Tear






'The Inflated Tear' de Roland Kirk tiene que ver con la ceguera del ejecutante, quien perdió la vista en su niñez luego de una sobredosis del medicamento. El disco fue el primer álbum de estudio que realizó para el sello Atlantic y también, una exitosa confirmación de su poderío como improvisador. En su misma ceguera, Kirk puede transmitir su odisea para llevar la pasión de su música a la perfección.

'The Inflated Tear' tiene cualidades que la vuelven indefinible e inclasificable. Kirk se salta las demarcaciones normales en la música y borra las fronteras entre distintos enfoques. Básicamente es la visión estética de un artista que ha borrado sus propios límites y ha condensado una miriada de influencias que pueden converger en un solo disco sin que esto sacrifique la creatividad del músico. Se trata de uno de los álbumes más exquisitos que se han hecho y tiene su lugar en la lista de los 200 discos más influyentes del jazz.

Kirk tenía la capacidad de tocar varios instrumentos al mismo tiempo y se distinguía por su capacidad sobre el escenario, su sentido del humor y sus parodias sobre temas políticos.

Contiene piezas que se destacan como 'The Black And Crazy Blues' y 'A Handful Of Fives'.

The Inflated Tear

Warner Jazz 8211-736142

Roland Kirk (saxofón tenor, 'manzello', flauta, saxo Stritch, clarinete, corno inglés); Ron Burton (piano); Steve Novosel (contrabajo); Jimmy Hopps (batería).

Mayo de 1968.

#myjazzforeveryday

Peter Brötzmann. Machine Gun



Peter Brötzmann dijo: 'No es acerca de ejercer una expresión propia. Se trata más bien de reaccionar al mundo en el que vives. Alrededor de 1968, tal vez algunos de nosotros pensábamos que podíamos cambiar al mundo, lo cual es probablemente bastante estúpido, pero puedes dar pequeños pasos en ese sentido, tan solo haciendo que alguien pueda escuchar de forma diferente. No es una revolución, es tan solo un paso'.

Originalmente, Brötzmann estudió arte en Wuppertal, e incluso llegó a realizar una exhibición. Él solía tocar jazz tradicional antes de moverse al estilo 'free', pero en 1968 se encontraba en el trío de Fred Van Joven y Han Bennik, tocando en un nuevo estilo. De ahí se hizo muy conocido tanto para los músicos europeos como entre los ejecutantes estadounidenses —a partir de una fuerte conexión en la escena de Chicago—, y permaneció como un ejemplo para toda una nueva generación de improvisadores.

Para la época cuando fue lanzado 'For Adolphe Sax' en septiembre de 1967 —impreso y distribuido originalmente por el mismo saxofonista— Brötzmann ya se había consolidado dentro de un estilo enfocado y de notoria intensidad. El sonido estentóreo y notorio que realizaba con el instrumento se encuentra entre los más estimulantes del mundo de la música y mientras que ha sido mal interpretado como un terrorista del sonido, no se le hace justicia a su virtuosismo con la boquilla. El único precedente con el que podría ser equiparado es el feroz asalto en tres direcciones de 'Spiritual Unity' de Albert Ayler, aunque Brötzmann había perfeccionado su estilo usando sus métodos de manera independiente y a través de la intermediación posterior de Frank Wright, un veterano de Cleveland que se había establecido en Europa.

Machine Gun

FMP CD 24

Peter Brötzmann; Willem Breuker, Evan Parker (sax tenor); Fred Van Hove (piano); Buschi Niebergall, Peter Kowald (contrabajo); Han Bennink, Sven Åke Johansson (batería).

Mayo de 1968.

Fuente: The Penguin Jazz Guide.

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Elvin Jones. Live At The Village Vanguard




El disco de Elvin Jones 'Live At The Village Vanguard' tiene mucho de la herencia de Coltrane, de quien Jones fue uno de sus más grandes discípulos. También incluye algunas versiones de 'By George', 'Laura' y la balada 'You Don't Know What Love Is'. La mayoría de los temas vienen dirigidos por la trompeta de Martin Peterson pero también le otorga mucho protagonismo al saxofonista George Coleman. Es de rigor que también existan solos de Jones, un percusionista que retoma estándares muy de la década de los cincuenta y los sesenta. Estamos en 1968 pero el jazz modal se todavía puede aportar mucho.

En este disco en vivo hay una intención exploratoria o de investigación respecto a las posibilidades de improvisación de cada uno de los músicos. Se aprecia el ensamble en su expresión más pura y sin ningún tipo de trucaje de estudio de grabación. Es lo que hay en ese momento. Sobre esto, Jones nos ha mencionado que: 'A los propietarios de los clubes no les gustan los discos en vivo. Hay demasiadas cosas desperdigadas y cables alrededor del escenario que estorban el tráfico de los parroquianos. Sin embargo, es la manera más pura de grabar y también la más honesta —las persona realmente obtienen aquello que tú representas y lo que haces, nada de lo que hayas elaborado en el estudio—.

Elvin fue el hijo menor de la familia de Jones y pasó cinco años con Coltrane antes de que fuera sustituido por Rashied Ali, quien le dio un enfoque más radical a la agrupación del saxofonista. Fue un periodo que de alguna forma determinó nuestra visión sobre la carrera de Jones, tal vez creando una imagen a priori sobre su vida como artista, ya que debemos considerar que siguió trabajando 35 años después de la muerte de Trane dirigiendo su propia banda, Jazz Machine y otros grupos, y extendiendo su enfoque polirítmico hacia áreas desconocidas de post-bob.

Aunque más tarde Jones trabajó con Ravi Coltrane y participó en varios eventos tributo y grabaciones sobre John Coltrane, a fines de los sesenta Jones parecía satisfecho de distanciarse del este legado, regresando a un enfoque 'hard bob' mejorado con fuertes inflexiones africanas. Sus grabaciones tienden a enfocarse en la batería, no en el sentido de contemplar las percusiones en la mezcla final e incluir muchos solos se batería, sino en el sentido de que toda la música es parte de un ensamble. 1968 fue un año desafiante en términos de elaboración de desgastantes y contundentes paisajes sonoros en sus grabaciones, hay que considerar que estamos escuchando todo el tiempo un trío sin la intervención del piano, un esquema de Jones habría de interpretar en años posteriores.

Live At The Village Vanguard

Enja 2036

Elvin Jones (batería); Hannibal Marvin Peterson (trompeta); George Coleman (saxo tenor); Wilbur Little (contrabajo).

Mayo de 1968.

Fuentes:

wikipedia.org

allmusic.com

The Penguin Jazz Guide.

Traducción: nvm

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Sonny Criss. Sonny's Dream. Birth Of The New Cool





Sonny Criss era un saxofonista del tipo alto y soprano con una influencia muy marcada de Coltrane. Para Teddy Edwards: 'Sonny era un tipo que creía que la música debía cambiar al mundo y hacer las personas se amaran entre ellas. Fue divertido que en 1968, el mundo que le tocó vivir pensará eso también'.

Tal vez Criss estaba demasiado condicionado hacía el destino que le esperaba. Aunque existía junto con él un Sonny Sitt más robusto a quien Charlie Parker le había prometido las llaves del reino del bebop, fue Criss en la Costa Oeste quien heredó la mayoría de las ambigüedades del legado de Parker. Criss llegó a Los Angeles desde Memphis en su adolescencia y entabló contacto con Howard McGhee y otros en la comunidad bebop de California.

Subtitulada como 'Birth Of The New Cool', 'Sonny's Dream destaca seis composiciones y arreglos de Horace Tapscott. Aunque no fue sino en la actualidad que ha recibido un amplio reconocimiento, Tapscott había tenido una enorme influencia en las escena de la Costa Oeste y este disco representó una oportunidad única para que Criss tocara frente a una banda de tamaño medio. 'Sonny's Dream' es una apertura impresionante con solos muy destacados y luminosos, tanto de Criss como de Tommy Flanagan. Criss hace el cambio al soprano para la breve 'Ballad For Samuel', dedicada a un respetado maestro, pero profundamente marcada por Coltrane. La inventiva de Tapscott y su sensibilidad política está igualmente imbricada en 'Daughter Of Cochise' (un solo inusualmente relajado de Criss) y 'Black Apostles', que en su origen fue dedicada a Arthur Blythe pero se transformaría en un feroz lamento para los tres mártires del movimiento negro de liberación. Un álbum importante cuyos límites se marcan bajo el supuesto de que la banda se reduce a proporcionar un colorido telón de fondo a las lecciones de Tapscott sobre historia estadounidense y al trabajo de Criss en sus solos.

Hubo algunos cambios en la vida posterior de Criss. Se involucró en el trabajo comunitario y parece que encontró algún tipo de balance, pero decidió tomar su propia vida en 1977 después de haber sido diagnosticado con cáncer de estómago.

Sonny’s Dream

Original Jazz Classics OJCCD 707-2

Sonny Criss (sax alto y soprano); Conte Candoli (trompeta); Dick Nash (trombón); Ray Draper (tuba); David Sherr (sax alto); Teddy Edwards (sax tenor); Pete Christlieb (sax barítono); Tommy Flanagan (piani); Al McKibbon (contrabajo); Everett Brown Jr (batería).

Mayo de 1968.

Fuente: The Penguin Jazz Guide.

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