John Coltrane. Ascension

El saxofonista John Tchicai nos menciona: 'Fue como una fiesta. El día de la grabación, el éxtasis y la emoción fueron los protagonistas. Todos hicimos nuestro mejor esfuerzo para contribuir y concretar las pocas instrucciones que el maestro nos había dado. ¡Todo el ambiente era muy africano! Definitivamente, nuestros ancestros estaban entre nosotros ese día, incluso más de lo usual'.

No existe nada parecido a 'Ascension' entre los trabajos de Coltrane; incluso, no hay nada semejante a 'Ascension' en la historia del jazz. Para mediados de 1965, Coltrane había hecho de todo con el modelo de cuarteto, al menos eso parecía a nivel técnico.

Aun así, nadie parecía anticipar lo que habría de emerger de aquella sesión del 28 de junio. Era cierto que se extrañaba a Eric Dolphy, quien pudo haber estado en el estudio en esta ocasión pero Dolphy había muerto en Berlín el año pasado.

Visto de manera simplista, 'Ascension' le da continuidad a lo que Coltrane había iniciado en 'A Love Supreme'. El patrón de notas que da inicio a la pieza es una clara referencia a la fanfarria de 'Acknowledgement', pero esta vasta improvisación colectiva que le sigue es casi la contraparte a las expresiones de protagonismo personal, casi con la calidad confesional de la pieza que le da origen. El grupo estaba constituido de manera semejante al cuarteto doble de Ornette Coleman que grabó 'Free Jazz', aunque mucho menos esquematizado. 

Coltrane desarrolló una situación en la cual las señales —desde Hubbard hasta Tyner, principalmente— pudieran ser transmitidas para intercambiar modos, introducir nuevos patrones escalares y armónicos. Los solistas tenía cierto nivel de libertad y un cúmulo de ideas diversas parecían emerger dentro de un lienzo fragmentado de sonidos gestuales. Todo es determinado a partir de unas pocas escalas al inicio; nada se determina de manera total. Solo a partir de cierto tiempo se le ha podido reconocer no solo como un disco icónico sino como una gran composición. Es un trabajo que condensa las reglas del jazz clásico con las libertades del jazz moderno; su impacto ha sido abrumador y total. Su éxito es difícil de medir o de calibrar.

Respecto a algunas valoraciones de la crítica, algunos han dicho que 'Ascension' se considera un punto de inflexión en la obra de Coltrane, los álbumes grabados antes son más convencionales en su estructura pero los discos grabados después son más sueltos y más inspirados en el 'free jazz'. Coltrane hizo notorio que pensaba alejarse del formato del cuarteto. AllMusic menciona que 'la grabación es única y colocó a Coltrane firmemente en la vanguardia'.

'Ascension' consiste en una sola pieza de cuarenta minutos dividida en dos ediciones, cada una con un orden diferente de solistas y ensambles. Coltrane reunió a un grupo de once músicos, incluyendo a su cuarteto clásico (McCoy Tyner, Jim Garrison y Elvin Jones) y otros siete instrumentistas de viento (Freddie Hubbard, Dewey Johnson, Archie Shepp, Pharoah Sanders, John Tchicai, Marion Brown y Art Davis). El resultado es una obra intensa, caótica y desafiante que provocó reacciones encontradas entre críticos y fanáticos.

 
Ascension
Impulse! 543413-2
Coltrane (sax tenor); Freddie Hubbard, Dewey Johnson (trumpeta); Marion Brown, John Tchicai (sax alto); Pharoah Sanders, Archie Shepp (sax tenor); Donald Garrett (contrabajo, clarinete); Joe Brazil (contrabajo, percusiones); McCoy Tyner (piano); Art Davis, Jimmy Garrison (contrabajo); Frank Butler, Elvin Jones (batería); Juno Lewis (percusiones, conchas de caracol).
Junio y octubre de 1965.

Referencias:
The Penguin Jazz Guide.
en.wikipedia.org
jazztimes.com
allmusic.com
latimes.com
variety.com
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Herbie Hancock. Maiden Voyage

Herbie Hancock dijo en 1992: 'No estoy interesado en el virtuosismo como un fin en sí mismo. Lo que me interesa es aquello que la música proyecta en términos de drama y emoción. Lo que yo tengo que quizá sea distinto de otros músicos es cierto toque, el cual reconozco incluso en otros músicos que me han estado escuchando'.

Uno de los compositores más importantes del jazz moderno, el creador de 'Watermelon Man' y 'Dolphin Dance', así como del inolvidable 'Rockit', el nativo de Chicago inició su carrera como un niño prodigio tocando a Mozart desde muy temprana edad. Hancock es comprensiblemente cauteloso con ese calificativo, particularmente cuando ya se acerca a la setentena, pero no se puede evitar. Después de realizar estudios de maestría en la Escuela de Música de Manhattan, hizo su debut profesional con Coleman Hawkins. Hancock había firmado con el trompetista Donald Byrd y atrajo la atención de Alfred Lion del sello Blue Note quien estuvo de acuerdo en permitir que el joven de 22 años grabara con un grupo predominantemente de metales como el sax o la trompeta.

Realizado en 1962 con Freddie Hubbard y Dexter Gordon, el disco 'Takin' Off' ya revela confianza y madurez. Le siguieron algunos discos excelentes entre los que destaca 'Empyrean Isles' y algunas composiciones fuera de serie como 'Blind Man, Blind Man', pero fue 'Maiden Voyage' el que lo consolidó como una presencia importante.

 

Esta opinión ha sido controversial. Los revisionistas argumentan que la grabación es simplista y superficial, pero de alguna manera esa accesibilidad y facilidad de expresión podría sonar como un defecto. Sea como sea, la grabación es un logro colosal para un hombre de solo 24 años. Es un disco que refleja cierta quietud e incluso puede luchar contra ella y que ha sido comparado por Joachim Berendt con 'La Mer' e Claude Debussy.

Coleman toca con una delicada comprensión y Hancock nunca da un paso en falso. No es extraño que la química entre los ejecutantes sea tan buena: con la excepción obvia de Hubbard, que era del grupo de Miles. El corte que da título al disco, 'The Eye Of The Hurricane' y 'Dolphin Dance' son temas que ya son parte del canon, pero incluso los temas menos conocidos, incluyendo 'Survival Of The Fittest', el más más desarrollado del catálogo, tienen una calidad superior y la interpretación de Hancock es firme, inventiva en el timbre y maravillosamente lógica pero sin llegar a cadencias predecibles. 'Maiden Voyage' tiene un lugar destacado en el jazz moderno.

Fuente: The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.
Maiden Voyage
Blue Note 95331
Hancock (piano); Freddie Hubbard (trompeta); George Coleman (sax tenor); Ron Carter (bajo); Tony Williams (batería).
Marzo de 1965.
#myjazzforeveryday

Wayne Shorter. Speak No Evil

El saxofonista soprano Sam Newsome dice: 'Cuando escucho la música de Wayne Shorter del período de Blue Note realmente me refuerza la idea de que 'menos es más'. Son composiciones son una curiosa yuxtaposición entre arte al más alto nivel y simple música 'folk', una combinación tan impredecible como pegadiza'.

Cualquiera que se haya encontrado con Shorter como cofundador de Weather Report lo conoce principalmente como un colorista que contribuye con brochazos breves y a menudo enigmáticos al cuidadosamente texturizado lienzo del grupo. No se reconoce en él la herencia de Rollins y Coltrane (la escalada proporcional y el relanzamiento de esas breves exhortaciones de sax soprano cuyo linaje se vuelve muy notorio).

Muchos no lo dimensionan como el compositor que es. Con una identidad musical en Weather Report consolidada, por mucho tiempo Joe Zawinul se hizo cargo de la banda como compositor. Sin embargo, la mayoría de los 'solos' de Shorter que fueron descartados (en un grupo que realmente nunca creyó en los solos ni en ninguna otra cosa) todavía retuvo muchos de sus registros, así que, las composiciones de sus primeros discos —'Tears' y 'Eurydice' en particular — transmiten la escencia de las virtudes que lo convierten en uno de los más significativos compositores en jazz moderno cuyos méritos han sido reconocidos por sus contrapartes, muchos de ellos tan disímbolos entre ellos como Art Blakey, Miles Davis ('ESP', 'Dolores', 'Pee Wee', 'Nefertiti') y Kirk Lightsey (con un álbum tributo desafiante)».

Fuente: The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.

Speak No Evil
Blue Note 99001
Shorter (sax tenor); Freddie Hubbard (trompeta); Herbie Hancock (piano); Ron Carter (bajo); Elvin Jones (batería).
Diciembre de 1964.
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ts

Eric Dolphy. Out To Lunch

Para el clarinetista Chris Biscoe: «los temas que componen «Out To Lunch!» no son exactamente jazz, pero toman el poder y la vitalidad de esta música además de la instrumental y la interpretación». Una de las características del jazz es su enorme capacidad de retar los supuestos que tenemos acerca de lo que puede o no puede ser la música, o de lo que debe o no deber ser. El jazz que se hizo en la década de los sesenta del siglo pasado transgredió las nociones estándar de la música. 'Out To Lunch!' de Eric Dolphy logra desarticular las formalidades del jazz y conducirnos a territorios desconocidos. Invita a la exploración y nos saca de nuestra zona de confort. En su alejamiento extremo del 'mainstream', el álbum de Eric Dolphy expande los límites de nuestra tolerancia hacia lo nuevo o divergente, nos pone a prueba con respecto a lo disruptivo de cualquier propuesta. Eric Dolphy presionó el lenguaje del «bop» hasta sus límites para crear algo absolutamente nuevo. El tipo de libertad creativa que se respira en estos «tunes» no tiene precedentes, Eric Dolphy logra crear un sonido completamente nuevo para esa época.

Out To Lunch!
Blue Note 98793
Personal:
Dolphy; Freddie Hubbard (trompeta); Bobby Hutcherson (vibráfono); Richard Davis (bajo); Tony Williams (percusiones).
Febrero de 1964.
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