Lowell Davidson. Lowell Davidson Trío

El guitarrista de Boston Joe Morris menciona: «Lowell fue un músico singular y mucho más de lo que sugiere un solo disco grabado con la disquera ESP. Constantemente estaba expandiendo sus alcances. Su trio de música de piano se desarrolló tanto hasta convertirse en algo más sutil, mostrando dinamismo y representación sonora. En la década de los ochenta cuando trabajé con Lowell, él tocaba la batería y un bajo acústico de aluminio. La música que tocábamos podría ser descrita como una temprana improvisación acústico-espectral».

El padre de Davidson fue un teólogo. Él mismo estudió bioquímica en Harvard pero se mudó a Nueva York en donde tocó con Ornette Coleman y de manera breve como baterista en el New York Art Quartet. Su ya obscura carrera fue afectada cuando un accidente de laboratorio comprometió su salud. Murió de tuberculosis a la edad de 49 años.

Davidson es una de esas figuras misteriosas del jazz quien siempre aparece en la mira de ser redescubierta. Nada dificulta más su rehabilitación que la falta de grabaciones adecuadas.

Su único lanzamiento como grabación de estudio —realizado con ESP y aparentemente sin una audición previa— es un desastre a nivel técnico, un balanceado de mala calidad y casi sin la presencia del bajo. La música es fascinante, muy distinta de todo aquello que se presume como la escuela dominante de Cecil Taylor.

Uno podría decir que Mal Waldron está muy cerca a nivel total en sonido y espíritu. Davidson influye en pequeños sectores de ese sonido, moviéndolos alrededor de su teclado hasta que conforma edificios sonoros de complejidad sorprendente.

Lowell Davidson Trio

ESP 1012

Davidson (piano); Gary Peacock (bajo); Milford Graves (batería).

1965.




Tomado de The Penguin Jazz Guide. Traducción propia.




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Krzysztof Komeda. Astigmatic

'Astigmatic' de Krzysztof Komeda es uno de los mejores discos de jazz polaco de la década de los sesenta. Tomasz Stańko nos refiere una anécdota de la grabación de este disco: «Era mi primera producción a nivel profesional, un año antes había sido reclutado por el ensamble de Komeda. Una alineación portentosa, y yo solo tenía 21 años. Nunca olvidaré la noche en el National Philarmonic Hall en Varsovia. Uno incluso podía sentir la atmósfera del concierto para esa noche pero Komeda, con la espalda ligeramente encorvada, ya nos estaba embarcando en su música y de una forma solo conocida por él mismo nos estaba introduciendo en su planeta de sonidos. Esa era la forma como creó el tipo de sensibilidad que habría de sostener para ese evento. Una sola noche. La colosal 'Svantetic', recién estrenada para ese concierto nocturno, 'Astigmatic' y el futuro trancazo mundial de 'Kattorn', el cual se sigue tocando hasta la fecha».

Astigmatic
Harkit HKRCD 8158
Komeda (piano); Tomasz Stańko (trompeta); Zbigniew Namysłowski (sax alto); Günter Lenz (bajo); Rune Carlsson (batería).
Diciembre de 1965.
Fuente:
The Penguin Jazz Guide.
en.wikipedia.org
amazon.org
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Pete La Roca. Basra

Pete La Roca empezó a tocar la batería en bandas latinas, de ahí adquirió el sobrenombre de La Roca. En 1957 hizo su debut con Sonny Rollins y después participó con John Coltrane, Jack MacLean, Joe Henderson, Freddie Hubbard y Charles Lloyd. En 1968 dejó el mundo de la música para dedicarse a estudiar derecho y ejercer la carrera de abogado. Sin duda, una personalidad singular y polifacética. Alguien como Keith Jarrett dijo en 1990: 'Pete La Roca. Nunca lograrías por nada del mundo que diera una nota falsa. Tenía un sentido del manejo de los tiempos único, muy alerta y de gran fluidez. Tú sabrías que él era el baterista con solo escuchar los primeros compases'. Los coleccionistas de material de Blue Note siempre lo evocan como un timbalista en bandas latinas desde hace más de 50 años aunque él prefería que lo llamaran Pete Sims. Se le recuerda como un experimentando percusionista de 'hard bob' que destacó en la década de los cincuenta en la banda de Sonny Rollins e hizo un par de elepés por su cuenta. El campeón sin corona de muchos temas de 'hard bob'. Sims estuvo con Coltrane justo al comienzo de su cuarteto y estableció los compases para la banda de Elvin Jones. Su primer trabajo como líder se presenta solo con un disco. 'Basra' tiene aires afrocaribeños y latinos, logro distinguir ingredientes orientales. Muchos de sus temas son muy evocadores. 'Basra' fue grabado en 1965 por Blue Note, la mayoría de los temas son composiciones de La Roca y otros lo son de Ernesto Lecuona y de Steve Swallow. Participan Joe Henderson en el sax tenor, Steven Kuhn en el piano y Steven Swallow en el bajo. La grabación tiene muchas influencias en el 'free jazz' y el 'hard bob'. Todo el 'personnel' se destaca y tiene aportaciones magníficas. Pete La Roca regresó al ambiente del jazz en 1979 y después grabó su último disco en 1997: 'Swingtime'. Murió en 2012 a los 74 años.

Basra
Blue Note 875259
La Roca; Joe Henderson (sax tenor); Steve Kuhn (piano); Steve Swallow (bajo).
Mayo de 1965.
Fuente: The Penguin Jazz Guide; es.wikipedia.org; jazzmusica.hypotheses.org; genius.com; youtube.com; elpais.com.
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Woody Hermann. Woody's Winners

Woody Herman dijo en 1977: 'No me gusta el término 'sobreviviente', incluso cuando lo dicen en el buen sentido. Me remite a la idea de alguien aferrándose a un naufragio. Yo creo que todavía estamos a todo vapor y aún haciendo un buen trabajo. Es lo mejor que uno puedo esperar para seguir dentro del negocio'. Incluso con el rock y el pop firmemente asentados, Herman pudo resolver el problema de la longevidad artística. Simplemente siguió hacia adelante, evolucionando en su sonido pero apegándose tanto como pudo atreverse a todo aquello en lo que él destacaba y a lo que la base de sus fans esperaban de él. 'Woody Winner's' es uno de los disco de Big Band más grandes de todos los tiempos y todavía suena fantástico. Para contribuir a nuestro entusiasmo, ninguno de los contemporáneos de Herman fue convocado para el equipo que tenemos aquí. Grabado en vivo en la Basin Street West de San Francisco, la banda transita a través de temas como '23 Red', un tema consagrado de Sal Nistico: 'Northwest Passage', la serena 'Poor Butterfly y la demolición climática de Horace Silver en 'Opus De Funk'. Este ha sido comparado con 'Jazz Hoot', un set de vinilos configurados con tomas alternativas tanto de 'Woody Winner's' como el de 'Live East And West'. Puede parecer desconcertante que esta música solo está disponible a través del trabajo de pequeños sellos que han obtenido la licencia de su propietario que es Columbia, sin embargo, todavía siguen ahí.

Algunas reseñas, como la de Scott Yanow de AllMusic le dan una calificación de 7 sobre 10 y afirma que es el 'disco definitivo' de la Swinging Herd de la década de los 60. Destaca los solistas y el repertorio, y lo recomienda para todo coleccionista de jazz.

Un usuario de Discogs le da una calificación de 4 sobre 5 y afirma que es 'uno de los mejores discos en vivo que hizo Woody Herman en su vida'.

La página oficial de Dusko Goykovich, uno de los trompetistas que toca en el disco, lo incluye entre sus grabaciones más destacadas y lo describe como una muestra del 'Swinging Herd' de Woody Herman.

Woody Herman proviene de la época de oro del Swing y de las Big Bands, pero en este disco incorpora la influencia del bebop y del blues. Por ejemplo, '23 Red' es Big Band pero también es bebop, mientras que 'Greasy Sack Blues' es un blues con solos de clarinete, piano y trompeta. El disco tambien tiene arreglos clásicos de Swing como 'Northwest Passage' y 'Poor Butterfly'.

Woody’s Winners / Jazz HootCollectables 6678Gerald Lamy, Dusko Goykovich, Bobby Shew,Don Rader, Bill Chase (trompetas);Henry Southall, Frank Tesinky, Don Doane (trombones);Woody Herman (clarinete, sax soprano y sax alto);Gary Klein, Sal Nistico, Andy McGhee (sax tenor);Tom Anastas (sax barítono);Nat Pierce (piano);Tony Leonardi (bajo);Ronnie Zito (batería).

Fuentes:

The Penguin Jazz Guide.

es.wikipedia.org

discogs.com

ecured.cu

jazzmessengers.com

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Ornette Coleman. At The Golden Circle, Stockholm. Volumes 1 & 2

Ornette Coleman dijo en 1983: 'No creo que exista una diferencia entre una idea y una emoción. La música es lenguaje construido con notas y claves; el lenguaje escrito está hecho de letras que representan símbolos de sonidos, y cambian entre ellos de la misma manera en que lo hacen las letras y las notas. Todo esto tiene un profundo efecto en nosostros como seres humanos, es por ello que en realidad no estoy tocando, estoy sanando a través del medio del lenguaje que es la única cosa, aparte del sexo, que nos mantiene unidos a todos'.

 

El enfoque de Blue Note hacia el movimiento modernista fue incómodamente marginal: una simple lanzamiento de Coltrane, una breve escaramuza de la salvajes atonalidades de Cecil Taylor, una grabación de Eric Dolphy, un trabajo tímidamente manejado por Andrew Hill y Bobby Hutcherson, y un compromiso sostenido pacientemente con Ornette Coleman. Estas sesiones suecas capturan este trío en su mejor nivel: con texturas densas, de oscuras y feroces tonalidades. Mucho de esto fue construido a partir de la falta de dependencia de Ornette hacia el piano, pero es obvio que de esas sesiones Izenzon complementa esas funciones.

El líder podría no inclinarse por los acordes y las progresiones e incluso podría 'escuchar' la secuencia armónica de forma diferente, en línea con su insistencia con la nota Do podría estar en términos funcionales con su Do, pero, tal como Dewey Redman dijo después, necesitaba un ancla.

'At The Golden Circle Stockholm' fue grabado en dos volúmenes entre el 3 y el 4 de diciembre de 1965 en el club de jazz Gyllene Cirkeln en Estocolmo. Tuvo una buena recepción de la crítica.

 
At The Golden Circle, Stockholm: Volumes 1 & 2
Blue Note 35518 / 35519
Coleman (sax alto); David Izenzon (bajo); Charles Moffett (batería).
Diciembre de 1965.
Fuentes:
The Penguin Jazz Guide
en.wikipedia.org
bluenote.com
youtube.com
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Larry Young. Unity

'Unity' es una combinación de elementos del hard bop con jazz modal y refleja el 'esprit du temps', los nuevos planteamientos a la fecha. Estamos hablando de 1966 y los los instrumentos empiezan a cambiar. Poco a poco se integra en órgano Hammond en las grabaciones. Tiempo después se incluirían guitarras eléctricas y sintetizadores dando lugar al jazz fusión o al jazz-rock. 'Unity' de Larry Young está conformado por elementos tradicionales y de experimentación que lo colocan en la vanguardia. Para Tony Williams, Larry Young practicamente reinventó el órgano. Según él, el instrumento era completamente distinto cuando lo tocaba, y era algo que parecía no haberse escuchando antes. Larry se enfocaba en su propia interpretación de una manera enteramente libre. De acuerdo con la Penguin Jazz Guide, Larry Young fue el primer intreprete de Hammond en el jazz que se sacudió de la persuasiva influencia de Jimmy Smiths e inició la asimilación de los planeamientos armónicos de John Coltrane que sostenían una disputa entre las fronteras del jazz y el naciente rock. Larry conseguiría un estatus de leyenda con bandas como Tony Williams's Lifetime y Love Cry Want, y con la obra maestra electrónica de Miles Davis: 'Bitches Brew'. Otra de sus colaboraciones fue con John McLaughlin en 'Devotion' en donde logra expresar un enfoque salvaje y de expresionisto abstracto creando una serie de ondeantes capas de sonido. Es una lástima que mucho de lo que sobrevive de su trabajo fuera de estos grupos sea una reminiscencia del ensamble organo/guitarra/batería que él estaba dejando atrás en la década de los sesenta.

El avance en 'Unity' resultó dramático. 'Unity' es una pieza de jazz moderno que se desenvuelve entre la ferocidad interpretativa de la batería de Elvin Jones y el sustentable trabajo de Joe Henderson en el sax tenor.

Unity
Blue Note 56416-2
Young; Woody Shaw (trompeta); Joe Henderson (sax tenor); Elvin Jones (batería).
Noviembre de 1965.
Fuente: The Penguin Jazz Guide.
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Booker Erwin. Lament Of Booker Erwin

Alguna vez dijo Kenny Drew: 'Booker tenía un a gran personalidad —y tal vez esa fue la razón de que tuviera tan buena relación con Mingus—, pero aquella vez en Berlín sencillamente tocó su saxofón y entonces, el siguió tocando. Y hubiera sido algo bastante embarazoso si no lo hubiera hecho tan bien. ¡Tuve problemas para seguirle el ritmo. Aquella vez yo tocaba el piano!

Booker comenzó ejecutando el trombón y después se siguió hacia un amplio espectro de instrumentos de viento para su lengüeta; como resultado, su estilo es inconfundible. Booker fue un autodidacta, aprendió saxofón por sí mismo mientras hacía su servicio militar e instintivamente viró hacia un estilo con un sonido contundente y empapado de blues de algunos colegas texanos como Arnett Cobb e Illinois Jacquet. Tuvo su primer acercamiento con Mingus, a quien le gustaba su acercamiento salvaje y sincero. La carrera de Booker fue dolorosamente corta pero él supo aprovecharla.

'Lament Of Booker Erwin' fue grabado en 1964 y lanzado en 1965 por el sello Prestige. En el disco se registra una improvisación realizada en Berlín. Según el crítico Scott Yanow, se trata de 'una sesión de hard bob muy intensa y apasionada' y destaca la interpretación de Erwin en 'Blues For You' como uno de los puntos culminantes del álbum. Su improvisación al sax aquel día en Berlín es comparable en intensidad a aquella realizada por Paul Gonsalves en el concierto de Newport en la banda de Duke Ellington.

Lament For Booker Ervin
Enja 2054
Ervin (sax tenor); Kenny Drew, Horace Parlan (piano); Niels-Henning Ørsted Pedersen (contrabajo); Alan Dawson (batería).
Octubre de 1965 y 1975.
Fuentes:
The Penguin Jazz Guide.
en.wikipedia.org
blog.teatroscanal.com
allmusic.com
amazon.es
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Dave Pike. Jazz For The Jet Set

Detmar Roegg confiesa: 'Me impresionó descubrir que David Pike no estaba de moda y que quizás Pike se había convertido en el hazmerreír de los fanáticos del jazz moderno. Yo creo que él estaba adelantado a su época tanto armónicamente cómo ritmicamente'.

Pike se inició tocando la batería y más tarde haría el cambio de instrumento al vibráfono. Trabajó en la Costa Este por un tiempo en la década de los cincuenta para más tarde trasladarse a Nueva York en donde trabajó con Herbie Mann. La agrupación The Dave Pike Set llegó a ser muy popular en Alemania en donde estuvo viviendo por varios años. Esta grabación con Atlantic Records pretendía ser un programa de encuentros entre el jazz y el pop, incluso es mucho más disfrutable de lo que se podía advertir en su cartel publicitario (una sobrecargo de la era espacial nos indicaba que el álbum estaba dirigido hacia un consumidor con departamento de soltero) podía sugerir. Terry pudo haber sido reclutado para liderar la sección de trompetas, pero también logro meterse en los típicos solos pegajosos, y los sonidos del mismo Pike sonaban ávidos de estar al frente y grabar un disco con su nombre en él. A lo largo de la grabación se le escucha interpretando la marimba mientras que Hancock solo toca el órgano. Juntos hicieron una colaboración con la apertura del teclado para 'Blind Man, Blind Man'. Los estándares 'pop' están muy bien: melodías fuertes que te enganchan, la agitación en la secuencia de acordes, así que, no hay nada que temer aquí.

Se trata de música de considerable integridad, algo de poderoso interés rítmico (un swing latino muy básico, con una gran libertad o desenvoltura) y una agrupación muy bien balanceada.

Jazz For The Jet Set
Atlantic 8122 73527-2
Pike (vibráfono, marimba); Clark Terry, Melvin Lastie, Martin Shellar (trompetas); Herbie Hancock (órgano); Billy Butler (guitarra); Bob Cranshaw, Jimmy Lewis (contrabajo); Bruno Carr, Grady Tate (batería).
Octubre y noviembre de 1965.
Fuentes:
The Penguin Jazz Guide.
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John Coltrane. Ascension

El saxofonista John Tchicai nos menciona: 'Fue como una fiesta. El día de la grabación, el éxtasis y la emoción fueron los protagonistas. Todos hicimos nuestro mejor esfuerzo para contribuir y concretar las pocas instrucciones que el maestro nos había dado. ¡Todo el ambiente era muy africano! Definitivamente, nuestros ancestros estaban entre nosotros ese día, incluso más de lo usual'.

No existe nada parecido a 'Ascension' entre los trabajos de Coltrane; incluso, no hay nada semejante a 'Ascension' en la historia del jazz. Para mediados de 1965, Coltrane había hecho de todo con el modelo de cuarteto, al menos eso parecía a nivel técnico.

Aun así, nadie parecía anticipar lo que habría de emerger de aquella sesión del 28 de junio. Era cierto que se extrañaba a Eric Dolphy, quien pudo haber estado en el estudio en esta ocasión pero Dolphy había muerto en Berlín el año pasado.

Visto de manera simplista, 'Ascension' le da continuidad a lo que Coltrane había iniciado en 'A Love Supreme'. El patrón de notas que da inicio a la pieza es una clara referencia a la fanfarria de 'Acknowledgement', pero esta vasta improvisación colectiva que le sigue es casi la contraparte a las expresiones de protagonismo personal, casi con la calidad confesional de la pieza que le da origen. El grupo estaba constituido de manera semejante al cuarteto doble de Ornette Coleman que grabó 'Free Jazz', aunque mucho menos esquematizado. 

Coltrane desarrolló una situación en la cual las señales —desde Hubbard hasta Tyner, principalmente— pudieran ser transmitidas para intercambiar modos, introducir nuevos patrones escalares y armónicos. Los solistas tenía cierto nivel de libertad y un cúmulo de ideas diversas parecían emerger dentro de un lienzo fragmentado de sonidos gestuales. Todo es determinado a partir de unas pocas escalas al inicio; nada se determina de manera total. Solo a partir de cierto tiempo se le ha podido reconocer no solo como un disco icónico sino como una gran composición. Es un trabajo que condensa las reglas del jazz clásico con las libertades del jazz moderno; su impacto ha sido abrumador y total. Su éxito es difícil de medir o de calibrar.

Respecto a algunas valoraciones de la crítica, algunos han dicho que 'Ascension' se considera un punto de inflexión en la obra de Coltrane, los álbumes grabados antes son más convencionales en su estructura pero los discos grabados después son más sueltos y más inspirados en el 'free jazz'. Coltrane hizo notorio que pensaba alejarse del formato del cuarteto. AllMusic menciona que 'la grabación es única y colocó a Coltrane firmemente en la vanguardia'.

'Ascension' consiste en una sola pieza de cuarenta minutos dividida en dos ediciones, cada una con un orden diferente de solistas y ensambles. Coltrane reunió a un grupo de once músicos, incluyendo a su cuarteto clásico (McCoy Tyner, Jim Garrison y Elvin Jones) y otros siete instrumentistas de viento (Freddie Hubbard, Dewey Johnson, Archie Shepp, Pharoah Sanders, John Tchicai, Marion Brown y Art Davis). El resultado es una obra intensa, caótica y desafiante que provocó reacciones encontradas entre críticos y fanáticos.

 
Ascension
Impulse! 543413-2
Coltrane (sax tenor); Freddie Hubbard, Dewey Johnson (trumpeta); Marion Brown, John Tchicai (sax alto); Pharoah Sanders, Archie Shepp (sax tenor); Donald Garrett (contrabajo, clarinete); Joe Brazil (contrabajo, percusiones); McCoy Tyner (piano); Art Davis, Jimmy Garrison (contrabajo); Frank Butler, Elvin Jones (batería); Juno Lewis (percusiones, conchas de caracol).
Junio y octubre de 1965.

Referencias:
The Penguin Jazz Guide.
en.wikipedia.org
jazztimes.com
allmusic.com
latimes.com
variety.com
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